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First Title

Politics of the body in photography


Most noted for her use of fashion photography as a means of exploring cultural communication and identity allegiance, Nontsikelelo Veleko – or ‘Lolo’ to those closest to her – is set to take up the spotlight once again with her co-curated exhibition ‘Resist(e) – Printemps Photographique Afrique du Sud 2017’ at Gallery NegPos in Nîmes, France.

A graduate of the Market Photo Workshop in Johannesburg, Veleko was nominated for the MTN New Contemporaries Award in 2003, and went on to exhibit her photographs at the International Centre for Photography (ICA) in New York at Okwui Enwezor’s ‘Snap Judgements’. Her bright and bold images of Johannesburg’s street style in her series ‘Beauty is in the Eye of the Beholder’, captured the eye of many and, in 2007, Veleko won a Jury Prize at Rencontres de Bamako. One year later, this same photographic series won her the Standard Bank Young Artist Award and her work travelled across South Africa.

Continuing with her love for photography, Veleko is co-curating ‘Resist(e)’ alongside Patrice Loubon of Gallery NegPos and in collaboration with ‘Photo’ – a John Fleetwood initiative. Fleetwood is the former director of the Market Photo Workshop, and was responsible for training renowned South African photographers, Zanele Muholi, Ingrid Masondo, Buyaphi Mdledle and Nontsikelelo Veleko. ‘Resist(e)’ incorporates the work of 13 South African photographers, both renowned and unknown – depending on who you speak to – who are resisting mainstream contemporary culture through art.


Matt Kay, from the series Synapse, 2012-2015. © Matt Kay.


Lolo Veleko sat down with ART AFRICA to speak about the similarities and differences between South Africa and France, and her thought process behind curating ‘Resist(e)’.

ART AFRICA: This is an amazing time. You’re here after seven years of being in France, why now? Why South African photography now?

Well, I left for France for two reasons. The first was to go and find myself at the time that my career was picking up, and I was wanting more in terms of learning about visual art and the visual literacy that I’d learnt about in South Africa.

I’ve lived in several places in France – first in a town quite near to Versailles, then in St Malo in northern France, and finally in Nîmes in the south of France. I wanted to be close to Arles, so Nîmes was perfect – the School of Photography is based in Arles and it is home to Les Rencontre de la Photographie.

I experienced post-partum depression during my first few years in France, and once you come out of depression, the first thing you want is to feel normal and to work. For me, work gives me a sense of my humanity. So this is how I came to work on ‘Resist(e)’. The word ‘resist’ also exists in the French language, written similarly and it means the same thing, and I thought it would be important to work with this idea considering that body politics have become much more a part of the global art scene.

The body – as a nude – is being rejected from some gallery spaces. I’ve experienced it firsthand where a gallery in France was closed because there were nudes on exhibition. These particular works were photographs by Fatima Mazmouz – an artist originally from Morocco – who captured her own nude, pregnant body. The gallery was apprehensive about showing this work as the threat of terrorism is quite extensive in France, and they were critical of her – as a Muslim woman – for ‘displaying’ her body, which is haram (prohibited) in Islam.


Alexia Webster, from the series Streets Portraits. © Alexia Webster. Courtesy of the artist & Nontsikelelo Veleko.Alexia Webster, from the series Streets Portraits. © Alexia Webster. Courtesy of the artist & Nontsikelelo Veleko.


It’s also one of the reasons why I moved to France – so that I could learn about these issues; issues that we don’t necessarily face in South Africa. And it was in this regard that ‘Resist(e)’ came to look at how South African photographers are using the body, religion, sexuality, identity and family to critically engage with certain topics.

‘Resist(e)’ will feature the work of Cedric Nunn, who looks at his own family; Andrew Tshabangu, who looks at religious rights; Jody Bieber, who looks at the body with her project Real Beauty, and Dean Hutton who works on Dean’s Bed. Zanele Muholi’s series, Faces and Phases – a consideration of black queer lives – will also be featured, which I think is highly important in this day and age. ‘Resist(e)’ will also look at the work of photographers who are completely unknown, depending on who you speak to.

Your urban vision from 2003 has become defining in look and style. Looking at what interests you, what attracts you to the nude body?

I look at how people react to the nude body. There’s a funny reaction to, say, a pornographic image versus the nude body. Which, for me, is quite interesting as people often view the nude body as pornography, or how people view images of war, bombs and dead bodies versus the nude image. And for me, to talk and debate about these images, a subject which Cedric Nunn has written about on his blog – that images of war are, in fact, pornographic images – is of great interest to me. I find beauty in the bodily form. Perhaps it’s also cultural [in photography]; in the past painters used to paint the nude body and it didn’t matter whether they were thin or fat, short or tall and, of course, I had that background in my head. I’m interested in the politics of the body: how I view myself personally, about my own body. So it’s also a work in progress. Most of my work reflects back at me, so it’s an image of myself looking at the other, but at the same time I see myself in the other.


Dean Hutton, Dean from the series Dean’s Bed, 2014. © Dean Hutton


For instance, that body of work was created in Réunion Island and I was asked if maybe I should not show my work freely; that I should cover my space with black sheeting and when people enter it should be this black canopy. This took me back to the pornographic image, which I guess is a bit disturbing. You’d go into this booth to watch a pornographic film. Yet to me the nude is something to be venerated and celebrated, not something to be made ashamed of and hidden away, in a way pacified.

What I found, while in France, is that when I asked people if I could photograph them in the nude, and how I think of France as being so liberated, I expected them to jump at the chance to be shot in the nude, but actually they’re prudes. In France, their reactions were ‘No! Why?’ and they actually were ashamed. And there is this prevailing notion of making people feel ashamed to show themselves. To deny people self-expression, I think, is more recent. I think that they’re regressing, in a way. In the past, artist’s like Cezanne and his contemporaries were painting nude women and this was celebrated. And there’s been a move away from that, and in my understanding of studying art, it wasn’t something to be ashamed of. I think it has been influenced by media and how we portray women; there was a shift to portray a skinny and unrealistic image of ‘perfection’ [I don’t know what perfect is]. And if you didn’t conform to this image – you were the other. This is why Jodi Bieber’s project is important, because it speaks about exactly these issues and it consists of photographs of all kinds of body types of women.

But what I do like about France is the possibility to exercise freedom of speech. You can challenge the powers that be. And that is protected by the libertè, egalitè, fraternatè, whereas in other countries you could be killed and you wouldn’t get the chance to go to court.

So being in France for me, as I mentioned, meant I was close to Arles and the Festival of Photography, which is one of many. So it’s easy to see the work and the bodies of work that exist in different parts of the world. And for the first time, this year, I saw an Annie Liebowitz and until this time I had never seen the images in real life. And she was the invited artist for Luma. Luma is a foundation started by Maja Hoffman, where just last year, Zanele Muholi showed her work Somnyama Ngonyama.


I always feel that when you are in a foreign country, the pressure to represent and promote your country and culture becomes so much greater. There is this need to share with the locals the knowledge that is required to understand the complex nature of home.


In talking about representations of the nude body, quite a few of the artists you have chosen to exhibit in Resist(e) are exploring this.

It is important to note I am working with photographers in this exhibition, not artists – or at least I should say most of the people in this exhibition use photography as their main medium of choice and not the other way around.

Being in France showed me the importance of culture and how it is protected and taught through the ages. Having attended a lot of photo exhibitions here, I’ve realised the ‘fashion’ of galleries and the contemporary way of doing things – the nude is certainly not ‘in fashion’. Yet the world battles with this topic daily – the body, its existence, beauty, strength, and its limits are all at the forefront of our realities as it is only because of these bodies that we are able to function.

How did you go about choosing the artists, and why was it important for you to have an exhibition of this calibre – of South African artists – in France?

The choice was made unconsciously, and I guess it’s intermingled with me being South African, along with my personal journey and history with photography. When I chose the names and proposed them to co-curator Patrice Loubon, we both looked at the work overall and how the images of individual photographers spoke to each other.

I always feel that when you are in a foreign country, the pressure to represent and promote your country and culture becomes so much greater. There is this need to share with the locals the knowledge that is required to understand the complex nature of home. This is impossible to be portrayed in the work of only one photographer – South Africa is a large country with a very complex history.


Zanele Maholi, Collen Mfazwe Womens Gaol Constitution Hill Braamfontein Johannesburg, 2013. Image courtesy of artist. Zanele Maholi, Collen Mfazwe Womens Gaol Constitution Hill Braamfontein Johannesburg, 2013. Image courtesy of artist.


Resist(e) is set to run for two months in several places across Nîmes and will be accompanied by a mini-conference presented by NegPos and its partners. Can you tell us a bit more about what this conference will entail?

The conference includes John Fleetwood – the former head of Market Photo Workshop and now the founder of PHOTO – and his topic of discussion is ‘Learning to Resist: Photography’s role to unlearn and imagine’. He will address context, relevance and self-positioning in his role as mentor, educator and curator.

The second speaker is Peter Machen – a writer, artist and film curator from Durban, South African, currently residing in Berlin – whose topic of discussion is ‘Talking to Photographs about Photographers’.

The third speaker is Valerie Urrea – co-author of the film Réalisatuer(s) – who will be joined by Cedric Nunn, a South African photographer who features in the film.

In terms of art would you say that South Africa is freer with regard to self-expression? I asked Zanele Muholi the same thing, in terms of our Constitution and civil union rights, and she compared it to America where the violence toward the LGBTQ+ community is so prevalent. Would you say that South Africa is more liberal than France?

In some ways we are, in others we’re not. In South Africa, I couldn’t speak my mind without coming under threat of violence, whereas in France there is the notion of going to court and getting the chance to plead your case. Though this, too, is a form of violence – going to court – depending on what you perceive as violence.

Lastly, I’d like to add that in South Africa we have failed the LGBTQ+ community and women. Although there are laws in place that are supposed to protect us, for example, Khwezi is a woman whom the entire country let down. By law, she should have been protected and not forced to leave South Africa. Instead, we are suffering the consequences – men from all walks of life are beating and killing women, lesbians and gays. Where is our libertè, egalitè, fraternatè?



Principalement connue pour ses photographies de mode qu’elle utilise pour explorer la transmission culturelle et les allégeances identitaires, Nontsikelelo Veleko, ou ‘Lolo’ pour les plus proches, s’apprête à être de nouveau sous le feu des projecteurs pour son exposition « Resist(e) – Printemps Photographique Afrique du Sud 2017 » à la galerie NegPos à Nîmes en France.

Diplômée de l’école The Market Photo Workshop de Johannesburg, Veleko a été nominée pour le prix MTN New Contemporaries en 2003, et a eu l’occasion de présenter ses photographies au Centre international de la photographie (ICA) de New York lors de l’exposition ‘Snap Judgements’ d’Okwui Enwezor. Ses images brillantes et joyeuses représentant les  styles vestimentaires des rues de Johannesburg dans sa série ‘Beauty is in the Eye of the Beholder’, ont capté l’attention de beaucoup de personnes et gagné le prix du jury aux Rencontres de Bamako. Un an plus tard, cette même série de photographies a gagné le prix Standard Bank Young Artist Award et a voyagé à travers l’Afrique du Sud.

Poursuivant son amour de la photographie, Veleko est co-commissaire de l’exposition ‘Resist(e)’ avec Patrice Loubon à la galerie NegPos et en collaboration avec l’initiative ‘Photo’ de John Fleetwood. Fleetwood est l’ancien directeur du Market Photo Workshop et il a été responsable de la formation de nombreux photographes de renommées, comme Zanele Muholi, Ingrid Masondo, Buyaphi Mdledle et Nontsikelelo Veleko. ‘Resist(e)’ incorpore le travail de 13 photographes sud-africains, connus et inconnus, qui résistent à la norme à travers l’art.


Matt Kay, from the series Synapse, 2012-2015. © Matt Kay.Matt Kay, from the series Synapse, 2012-2015. © Matt Kay.


Lolo Veleko a été interviewée par Art Africa, sur les similarités et les différences entre l’Afrique du Sud et la France, et sur ses réflexions à l’origine de l’exposition ‘Resist(e)’.

ART AFRICA: C’est un moment incroyable. Vous êtes ici après sept and en France, pourquoi maintenant? Pourquoi la photographie sud-africaine maintenant?

Lolo Veleko: Il y a deux raisons pour lesquelles j’ai quitté l’Afrique du Sud pour la France. La première raison est que ma carrière commençait juste à démarrer, et j’ai eu envie de partir et d’en apprendre plus sur les arts visuels et la littérature visuell, ce que je ne pouvais pas vraiment faire en Afrique du Sud.

J’ai vécu à plusieurs endroits en France. Tout d’abord dans une ville près de Versailles, puis à St Malo dans le nord de la France, et finalement à Nîmes dans le sud de la France. Je souhaitais être proche d’Arles, donc Nîmes c’était parfait. A Arles il y a l’Ecole Nationale de la Photographe d’Arles et les Rencontres de la Photographie.

Après mon départ et pendant mes premières années en France, j’ai connu une période de dépression. Lorsque vous sortez d’une dépression, la première chose que vous désirez faire pour vous sentir normal c’est de travailler. Pour moi, le travail me donne le sens de mon humanité. C’est donc comme ça que j’ai commencé à travailler sur ‘Resist(e)’. Le mot « resist » existe aussi en français, s’écrit d’une manière similaire et cela veut dire la même chose, j’ai alors pensé qu’il serait intéressant de travailler sur cette idée étant donné que les corps politiques ont pris de plus en plus d’importance dans la scène artistique.

Le corps, comme nudité, a été rejeté de plusieurs espace de galeries. J’en ai été la témoin lorsqu’une galerie parisienne a été fermée car il y avait des nus exposés. Ces oeuvres étaient le travail de la photographe Fatima Mazmoue, une artiste du Maroc, qui a photographié sa propre nudité, lorsqu’elle était enceinte. La galerie a finalement été réticente à montrer son travail après les menaces terroristes en France, et en tant que femme musulmane, elle était sujette à de nombreuses critiques pour avoir dévoilé son corps, ce qui est « haram », interdit, dans l’Islam.


Alexia Webster, from the series Streets Portraits. © Alexia Webster. Courtesy of the artist & Nontsikelelo Veleko.Alexia Webster, from the series Streets Portraits. © Alexia Webster. Courtesy of the artist & Nontsikelelo Veleko.


C’est aussi l’une des raisons pour lesquelles j’ai quitté la France, pour en apprendre plus sur ces problèmes. Des problèmes que nous ne connaissons pas toujours en Afrique du Sud. C’est au regard de cela que l’exposition « Resist(e) » s’intéresse aussi à la manière dont les photographes sud-africains utilisent le corps, la religion, la sexualité, l’identité, et la famille pour critiquer certains sujets. « Resist(e) » présentera le travail de Cedric Nunn, qui s’intéresse à sa propre famille; Andrew Tshabangu, sur les droits religieux; Jody Bieber, qui étudie le corps dans sa série « Real Beauty » et Dean Hutton qui travaille sur « Le lit de Dean ». La série de Zanele Muholi « Faces and Phases », qui considère les vies de noir(e)s homosexuel(le)s, sera également exposée, ce qui je pense est très important de nos jours. « Resist(e) » présentera aussi le travail de photographes qui ne sont pas du tout connus, selon les personnes auxquelles vous vous adressez.

Depuis 2003, le style de vos photographies s’est précisé. Qu’est-ce qui vous attire et vous intéresse dans le corps nu?

Je m’intéresse à ce qui fait réagir les gens face à la nudité des corps. Il y a une réaction étrange face aux images pornographiques comparé au corps nu. C’est intéressant selon moi, étant donné que les gens considèrent souvent le corps nu comme pornographique, tout comme la manière dont les gens perçoivent les images de guerre, des bombes, ou de corps morts, comparé aux images de nus. Pour moi, parler et débattre de ces images (Cédric Nunn en parle d’ailleurs dans son blog, du fait que les images de guerre sont, de fait, pornographiques) est très intéressant étant donné que je trouve une forme de beauté dans ces formes corporelles. Peut-être que c’est également culturel. Dans le passé de nombreux peintres ont représenté des corps nus et cela n’avait pas d’importance s’ils étaient minces ou gros, petits ou grands, et bien sûr, j’avais ce passé en tête. Je suis intéressée par la politique du corps: comment je me perçois personnellement, par rapport à mon propre corps. C’est une réflexion permanente. Une grande partie de mon travail m’influence en retour, c’est une image de moi-même aux autres, et en même temps c’est moi-même chez les autres. Par exemple, une partie de mon travail a été élaboré sur l’île de la Réunion, et on m’a demandé si je pouvais en cacher une partie. On m’a suggéré de recouvrir mon espace avec des draps noirs et lorsque les gens entreraient cela créerait une canopée noire. Cette réflexion m’a fait penser à l’image pornographique, ce qui est troublant. Vous entreriez à l’intérieur de cet espace comme pour regarder un film pornographique. Pourtant le nu est pour moi quelque chose qui devrait être vénéré et célébré, en un sens pacifié, pas quelque chose dont on devrait avoir honte et que l’on devrait cacher.


Dean Hutton, Dean from the series Dean’s Bed, 2014. © Dean HuttonDean Hutton, Dean from the series Dean’s Bed, 2014. © Dean Hutton


Ce que j’ai remarqué, pendant mes années en France, c’est que lorsque je demandais aux personnes si je pouvais les photographier nus, ils étaient en fait très pudiques, alors que j’imaginais la France comme un pays libéré où les gens sauteraient sur l’occasion pour être photographiés nus. En France, leurs réactions étaient souvent « Non, pourquoi? » et ils se sentaient souvent honteux. Et il y a ce sentiment majoritaire d’avoir honte de se montrer.

Mettre à mal la liberté d’expression concernant les différentes formes de représentation du corps, je pense, est plus récent. Je pense que cette liberté régresse, en un sens. Dans le passé, des artistes comme Cézanne et ses contemporains baignaient des femmes nues et cela était encensé. Il y a eu un mouvement en arrière, car dans ma compréhension de l’étude de l’art, le corps nu n’était pas quelque chose dont on avait honte par le passé. Je pense que ce sentiment a été influencé par les médias et par la manière dont on représente les femmes; il y a eu un changement lorsqu’on a commencé à représenter des images de femmes minces et des images irréalistes de la « perfection » (même si je ne sais pas vraiment ce que c’est que « la perfection »). Et si vous ne vous conformez pas à cette image, alors vous êtes différent.

C’est la raison pour laquelle le projet de Jody Bieber est important, parce qu’il parle de ces sujets et son travail rassemble des photographies de tout type de corps de femmes.

Mais ce que j’aime en France c’est le fait de pouvoir exercer la liberté d’expression. Et vous pouvez tester ce pouvoir de la liberté d’expression. Cette liberté est protégée par les principes « liberté, égalité, fraternité », alors que dans d’autres pays vous pourriez être tué et ne pas avoir la chance de pouvoir aller devant le tribunal.

Donc être en France pour moi, comme je l’ai dit, m’a permis d’être plus proche d’Arles et du Festival de la Photographie, notamment. Il était alors facile de voir les oeuvres venant de plusieurs endroits du monde. Et pour la première fois, cette année, j’ai vu Annie Liebowitz et jusqu’alors je n’avais jamais vraiment vu ses photographies. Et elle a été l’artiste invitées à Luma. Luma est une fondation qui a été crée par Maja Hoffman, la même fondation où Zanele Muholi, l’année dernière, a présenté son oeuvre « Somnyama Ngonyama ».

S’agissant de la représentation du corps nu, plusieurs artistes présentés à « Resist » explorent ce sujet. Pourriez-vous nous en dire plus?

Il est important de souligner que je travaille avec des photographes pour cette exposition. Ou plutôt je devrais dire que la plupart des personnes exposées utilisent la photographie comme principal moyen d’expression.

J’ai pris conscience en France de l’importance de la culture et de la manière dont celle-ci est protégée et transmise à travers les générations. Ayant participé à beaucoup d’expositions là-bas, j’ai réalisé les « modes » des galeries – le « nu » n’est certainement pas tant « à la mode ». Pourtant le monde se bat avec ce sujet chaque jour, le corps, son existence, sa beauté, sa force, et ses limites sont primordiaux dans nos existences.

Comment avez-vous procédé au choix de vos artistes, et pourquoi a-t-il été si important pour vous d’avoir une exposition de ce calibre, d’Afrique sud-africain, en France?

Mon choix a été surtout inconscient, et je pense qu’il a été mêlé avec le fait que je suis sud-africaine, et en accord avec mon parcours personnel dans la photographie. Lorsque j’ai choisi les noms et que je les ai proposé eau co-commissaire d’exposition, Patrice Loubon, nous avons tous les deux considéré cet ensemble d’oeuvres dans sa globalité et à la manière dont chaque photographe se répondaient les uns les autres.

Je pense que lorsque vous êtes dans un pays étranger, la pression de représenter et de promouvoir son pays d’origine et sa culture devient encore plus grand. Il y a un besoin de parler de son propre pays. Et c’est impossible dans une exposition qui représenterait seulement un photographe, l’Afrique du Sud ayant une histoire si complexe.


Zanele Maholi, Collen Mfazwe Womens Gaol Constitution Hill Braamfontein Johannesburg, 2013. Image courtesy of artist. Zanele Maholi, Collen Mfazwe Womens Gaol Constitution Hill Braamfontein Johannesburg, 2013. Image courtesy of artist.


L’exposition « Resist(e) » se déroule pendant deux mois dans plusieurs endroits à Nîmes et ses environs, et sera accompagné d’une petite conférence présentée par NegPos et ses partenaires. Pouvez-vous nous en dire plus sur le programme de cette conférence?

John Fleetwood, ancien président du Market Photo Workshop et aujourd’hui fondateur de PHOTO participera à cette conférence. Le sujet de la discussion sera « Apprendre à résister: le rôle de la photographie pour désapprendre et imaginer ». Il parlera du contexte, de la pertinence et de son positionnement personnel par rapport à son rôle de mentor, professeur et commissaire.

Le second intervenant à la conférence sera Peter Machen, un écrivain, artiste et commissaire de film originaire de Durban en Afrique du Sud et vivant actuellement à Berlin. Le titre de sa conférence est « Parler des photographie sur les photographes ».

Enfin, la troisième intervenante est Valérie Urrea, co-auteur du film « Réalisateur(s) », qui sera accompagnée de Cédric Nunn, un photographe sud-africain présent dans le film.

En ce qui concerne la création artistique, diriez-vous que l’Afrique du Sud est plus libre en terme d’expression personnelle ? J’ai demandé la même chose à Zanele Muholi, par rapport à notre Constitution et à nos droits civiques, et elle a comparé la situation ici à celle de l’Amérique où les violence contre la communauté LGBTQ+ est importante. Diriez-vous que l’Afrique du Sud est plus libérale que la France ?

Oui et non. En Afrique du Sud, je ne pouvais m’exprimer sans craindre des représailles, alors qu’en France il y a la possibilité d’aller devant le tribunal et d’avoir le chance d’être défendu. Même si aller au tribunal est aussi une forme de violence, selon votre perception de la violence.

Enfin, j’aimerais ajouter qu’en Afrique du Sud nous avons échoué à protéger les communautés LFBTQ+ et les femmes. Même s’il y a des lois qui sont supposées nous protéger, par exemple, Khwezi est une femme que le pays entier a abandonné. Selon le droit, elle aurait du être protégée et n’aurait pas du être forcée à quitter l’Afrique du Sud. A la place, nous subissons les conséquences. Des hommes, de tous milieux, battent et tuent des femmes, des lesbiennes, des gays. Où est notre « liberté, égalité, fraternité »?


FEATURED IMAGE: Matt Kay, from the series Synapse 3, 2012-2015. © Matt Kay.

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